"Az idő bolondságot okoz mindannyiunkban" - mondta Eric Bell matematikus. Valószínűleg néhányszor idézet, általában akkor, amikor valaki a régi szép idők elvesztését vagy valamilyen jelenlegi körülményt sajnálja. Ez egy nyomasztó mondás még tragikusabbá tette, hogy mennyire igaznak bizonyul. A filmrajongók ezt jól tudják. Gyakran emlékszünk fiatalabb korunkban egy régebbi filmre, hogy remek volt, vagy hallunk egy régebbi, klasszikusnak számító filmről, és csalódottak vagyunk, amikor most magunk ellenõrizzük, és felfedezzük, hogy nem élte túl az idõ próbáját.
Ennek az idézetnek az a része, amely hajlamos kivágni: „Az egyetlen kényelem, hogy nagyobb lesz utánunk.” Időnként csábító a klasszikus filmek védelme az évek során, hibátlan példaként arra, hogy mire képesek a legjobbak. Olyan magas talapzaton helyezzük őket, hogy végső soron fel kell néznünk rájuk, sohasem érjük el lehetetlenül magas magasságukat. A helyzet az, hogy az idő még a legnagyobb filmek bolondjait is meg tudja csinálni (nem is beszélve a modernebb kasszasikerekről). Ahelyett, hogy figyelmen kívül hagynánk, talán jobb megjegyezni, hogy ez előkészíti a nagyobb dolgok eljövetelét.
Itt van a Screen Rant című film a 15 rosszul elöregedett klasszikus filmről.
15 átlagos utca (1973)
A szeretett filmkritikus, Roger Ebert egyszer a Mean Streets-t „a modern filmek egyik forráspontjának” nevezte. Sok rajongó azonban egyszerűen úgy dönt, hogy emlékezik rá, mint az első igazi Martin Scorsese filmre. Noha ez időrendi szempontból nem pontos, lelkileg pontos. Ez az a film, amely megalapozta Scorsese szeretetét a nyers nyelv iránt (rekordot döntött az F-szó legtöbb használatában), a városban a bűnözés reális ábrázolását és az engedélyezett zene használatát a jelenet beállításához. Ez egy olyan stílus, amelyet Scorcese és sok más rendező utánzott és tökéletesített az évek során.
Ez a Mean Streets problémájának része. Ez egy durva vázlat, amelyet sok nagyszerű látnok szerkesztett (főleg Scorsese maga), amíg kortalan remekművé nem vált olyan filmekben, mint a Goodfellas. Vannak szerethető amatőr filmkészítési esetek a Mean Streets-ben (harci jelenetek, amelyek nem érzik magukat koreográfiának), de a film nagy része inkább hanyag, mint nyers. A Taxi Driver című Scorsese-film, amelyet csak három évvel jelentettek meg a Mean Streets után, az idő múlásával egyetlen harapását sem veszítette el. Nehéz ugyanezt mondani erről a filmről, amelyet egyszer könnyű volt dicsérni, mert másfajta bűnügyi film volt.
14 A madarak (1963)
A klasszikus Hitchcock-filmek túlnyomó többsége hihetetlenül öregedett. Valójában ijesztő, hogy az olyan filmeknél, mint a Hátsó ablak, a Vertigo és a North By Northwest, még mindig kevés modern filmes egyenrangú. Hitchcock legjobb filmjeiben az a nagyszerű, hogy módjukban áll teljesen elmerülni a világukban. Hitchcock fényképezőgépét úgy festette, mint egy festő ecsetjét, hogy gondosan részletezze minden képkocka minden hüvelykét. Ez az irányítási szint segítette abban, hogy "A feszültség mestere" legyen.
Ezen örök tulajdonságok közül kevesen jelennek meg a The Birds-ben. Van néhány pillanat a filmalkotás szépségében a Madarakban, de ez Hitchcock a legizgalmasabbra (ami nem annyira sértés, mint gondolnád). A film kezdeti dicséretének annyi köze volt a film speciális effektjeihez. Most, hogy ezek a hatások annyira elavultak, sokkal nehezebb valóban megvásárolni a „madarak úgy döntenek, hogy megtámadják az embereket” feltevést. Figyelembe véve, hogy a film mekkora futásteljesítményt próbál kijutni ebből az előfeltevésből, ez probléma. Ami a hosszú távú hatékonyságot illeti, ez nem tart gyertyát Hitchcock korábbi műfaji erőfeszítéseinek, a Psycho-nak.
13 Reggeli Tiffanyban (1961)
Elég könnyű megnézni, mit láttak az emberek a Breakfast At Tiffany's-ban, amikor 1961-ben először megjelenték. Ez egy slágerregény adaptációja volt, az összehasonlíthatatlan Audrey Hepburn-t ikonikus szerepet játszotta, és a filmet hihetetlenül jól forgatták (a legjobb művészeti rendezés Oscar megérdemelt). Romantikus vígjáték volt az olyan klasszikus filmek szellemében, mint az Egy éjszaka történt, de éppen annyi modern jelentőséggel, hogy előnyt tudjon nyújtani neki. Nézze meg azonban a filmet most, és valószínűleg néhány dologra fog összpontosítani, amelyeket a közönség akkor még nem.
A modern kinyilatkoztatások közül a legnevezetesebb Mr. Yunioshi rettenetesen rasszista szerepe, amelyet Mickey Rooney játszik. A film anomáliája, hogy olyan nyíltan rasszista alakítás, amely szinte meghaladja a rasszizmust. Ha még ezeken a világosan dátumozott elemeken túl is nézünk, akkor is van olyan filmünk, amely nem találja meg értelmét. Truman Capote reggeli a Tiffany's-ban elárasztotta annak a szívszorító történetét, amikor egy fiatal lány megpróbál eligazodni egy durva városban. A film legnagyobb bűne, hogy oly sok eredeti történeti elemet „hollywoodi”, hogy a modern közönség gyakran démonizálja a stúdiókat.
12. szombat esti láz (1977)
- De a szombat esti láz a 70-es évek pillanatképe! lehet, hogy azt mondod. Ha igen, akkor biztosan nem téved. John Badham 1977-es filmje, amely egy Tony nevű brooklyni gyerekről szól, aki csak jól érzi magát, és talán talál egy kis hírnevet, mivel a világ sarkában a legjobb táncosnő bizonyosan megragadja a 70-es évek szellemét. A film divatja általában az, amire sokan gondolnak, amikor megpróbálják ennek az időszaknak a fiatalságát ábrázolni. A filmzene örökre megörökítette a Bee Gees-t és más diszkó legendákat, a táncjelenetek remekek, a hangulat élénk és az irányítás eléggé pontos.
Annak az oknak, hogy a Szombat esti láz kelt, semmi köze a zenéhez vagy a divathoz, és minden a karakterekhez fűződik. Tonyt a leglelkesebben meadead-ként írják le. Egypályás elméje van, ami általában oda vezet, hogy megpróbál minél több szexet folytatni, vagy más módon felesleges pokolt hoz. Ebben az AIDS-megelőző járvány korában ezt talán könnyebb volt lenyelni, de Tony és üresfejű, izgalmat kereső baráti társaságának alfa férfi kalandjai ma ropogósak. Tony Stephanie erőszakos kísérlete egy táncverseny után valószínűleg az a pillanat, amikor a modern nézők egyszerűen csak másra térnek át.
11 tanú az ügyészségért (1957)
A Witness For The Procurement természetesen nem az első tárgyalótermi drámafilm volt, de könnyű visszavezetni a műfajt, amint ezt a filmet mostanáig visszavezetjük. Egy ember történetét gyilkossággal vádolják az eset súlyos közvetett bizonyítéka ellenére. A dolgok eljutnak egy olyan ponthoz, ahol az ügyészség és a védelem egyaránt rájön, hogy az egész ügy a vádlott feleségének vallomásától függ. A történet további része fordulatokon keresztül játszik, amiket oly gyakran kötünk az ilyen tárgyalótermi eposzokhoz.
Mert bármennyire is újszerű volt a film ebben a tekintetben, egyúttal feltárja korát is abban, hogy ezek a pillanatok hogyan játszódnak le. A tárgyalás eseményeinek célja a nézők megdöbbentése és meglepetése, de a sokk nagy részét az évek során maga az eset vaníliás jellege hígította. Tekintettel néhány tragédiára, amelyekről naponta hallunk, egy idős gazdag nő meggyilkolása alig regisztrálódik. Az biztosan nem segít, ha a film néhány legfontosabb pillanata hihetetlenül sonka öklű módon kerül átadásra. Valójában Marlene Dietrich sikoltása a „Fenébe!” ott van fent Darth Vader „Nem!” a drámai szállítások kapcsán komikus lett. Reméljük, hogy a közelgő feldolgozás (esetleg Ben Affleck rendezésében) nagyobb súlyt fog tartani az elkövetkező években.
10 lázadó ok nélkül (1955)
Abban az időben, amikor az amerikaiak még csak kezdtek tudomást szerezni arról, hogy a tinédzserek saját kamasz csoportjuknak számítanak, megjelent az Ok nélküli lázadó, és megpróbált fellebbezni ennek a növekvő demográfiai helyzetnek. Ez volt az a film, amely megígérte, hogy végre fényt fog világítani erre a félreértett generációra. Emiatt ugyanolyan sok vitát és elismerést váltott ki. Egész nemzetek féltek a tinédzser lázadás felbujtásának erejétől. Mások egyszerűen forradalomként értékelték.
Manapság sokkal könnyebb a filmet korának paródiájaként kezelni. Valójában ennek a filmnek nagyon sok aspektusa van, amelyet parodizáltak. A The-top bandák (mi ebben a táncszámban vagyunk a West Side Story-tól), a The-top színészi játék (James Dean „Te tépsz szét!” Című film volt az inspiráció a The Room szállításához azonos vonalon), és a tizenéveseket játszó idősebb színészek termékeny használata mind-mind megérdemli a szilárd szemforgatást. Ebben a filmben szinte mindent úgy terveztek, hogy érzelmi reakciókat keltsen a korszak közönségétől. Ez a nem szándékos vígjáték inkább kacagást generál.
9 Igaz Grit (1969)
A True Grit történelmileg furcsa helyen van. 1969-ben jelent meg, három évvel a The Good, The Bad és The Ugly után, és ugyanabban az évben, amikor Butch Cassidy és a Sundance Kid is megjelent. Röviden, abban az időben jelent meg, amikor a nyugati film kezdett kissé durvább lenni. Neve ellenére a True Grit nem igazán próbálja kihasználni ezt a kialakulóban lévő új stílust. Ez egy klasszikus nyugati fajta, amelyet a műfaj érlelésének idején adtak ki.
Ez annak az oka, hogy a filmet manapság egy kicsit nehezebb felvállalni. Nem egészen benne van a korai nyugatiak szűretlen ártatlan varázsa, és hiányzik néhány kortársa sötét érettsége sem. Kérdéssé válik az a régi iskola módja is, ahogyan a film olyan erősen bemutatja John Wayne-t. Teljesítménye minden bizonnyal mágneses, de szinte mindenki más ára. Ellentétben a film Coen Brother változatával, amely egyenrangúként ábrázolja a mellékszereplő hősöket, az 1969-es verzió egyértelműen a John Wayne show. Ez egy elavult vezető ember-mentalitás, amely bizonyos mellékszerepeket (különösen Glen Campbell La Boeuf-ját) szinte elviselhetetlenné teszi.
8 Emlékezés ügye (1957)
Az Emlékezet egy viszonylag egyszerű előfeltevéssel kezdődik. Nickie Ferrante (Cary Grant) véletlenül fut át Terry McKay-n (Deborah Kerr). Mindkettő kapcsolatban van, de egyértelműen vonzódnak egymáshoz. Mint ilyen, megállapodnak abban, hogy hat hónap múlva újra találkoznak az Empire State Building épületében, hogy lássák, hol állnak az életben. Az események megdöbbentő fordulatában Terry-t elütötte egy autó, útban az Empire State Building felé. Mint ilyen, nem vesz részt a találkozón, és nem tervezi, hogy újra találkozik Nickie-vel.
Itt kezdi meg a film önmagát. Az Emlékezés ügy tulajdonképpen egy 1939-es Love Affair című film remake-je, amely nyilvánvalóvá válik, amikor elkezded elviselni egy sor sajtos romantikus sorokat, mint például: "A télnek hidegnek kell lennie azok számára, akiknek nincs meleg emléke", és "Ha lett volna hogy történjen egyikünkkel, miért nem én lehettem az? Ez a rendkívüli mértékű boldogság rontja azt az előfeltevést, amely már ingatag talajon állt: „Valóban szerethet-e egy férfi kerekesszékes nőt?” cselekmény.
7 A zene hangja (1965)
Van olyan, hogy kemény G besorolás? Ha igen, akkor a Zene Hangja megérdemli. Először is, tisztázzuk, hogy az elmúlt idők ártatlan musicaljei nem öregszenek automatikusan rosszul. Mary Poppins például még mindig nagyon okos és jól elkészített családi film. A Singin 'in the Rain egy szintén ragyogó film a filmkészítés átmeneti idejéről, amely történetesen musical. A Zene hangja azonban musical a musical kedvéért.
Produkciós szempontból a lenyűgöző vidéki felvételek, amelyeket mindig a film kiemelésekor mutatnak be, továbbra is lenyűgözőek. Amit azonban ezek a kiemelkedő orsók általában nem mutatnak, az a közel három órás céltalan tánc és hosszúkás zenei szám, amelyet csak az éneklő szikofánok számára kívánnak felhívni. A film nagyon is korának terméke abban az értelemben, hogy a nagyon népszerű élőszereplős zenei műfaj dicsőséges tisztelgéseként mutatták be. Ez 1965-ben meglehetősen jól sikerült a közönség számára, de 2016-ban azok, akik nagyszerű hollywoodi musicalt akarnak nézni, rengeteg alternatívát találnak, amelyek sokkal elbeszélőbb céllal rendelkeznek. A legjobb részek a hivatalos filmzenén hallhatók.
6 A nemzet születése (1915)
Két különböző álláspont van, amikor DW Griffith A nemzet születése című művét illeti. Az első az, hogy a film vitathatatlanul a legfontosabb film a filmgyártás történetében. Aki beült egy filmiskolai osztályba, hallotta ezt a perspektívát. Az 1915-ben készült film esetében a Nemzet születése szinte úgy néz ki, mintha az elmúlt 10 évben leforgathatták volna. A másik álláspont ezt a filmet megfelelően azonosítja a valaha készült legnyíltabban rasszista filmek között. Ennek valószínűleg köze van ahhoz, hogy a Ku Klux Klant szinte háborítatlan hősként ábrázolja.
Az idő múlásával a vita kezd jelentősen felülmúlni a film filmes nyomvonalát. Nem könnyű nézni a Nemzet születését, és túljutni a legelhaladottabb társadalmi elemeken. Ez egy olyan akadály, amelyet nem sokkal könnyebb tisztázni, amikor rájön, hogy ez a film újból felkeltette az érdeklődését a KKK tagság iránt, és eredetileg A klán címet kapta. A fekete felület termékeny használata az egész filmben csak a koporsó utolsó szöge.
5 könnyű lovas (1969)
Nem lehet lebecsülni azt a hatást, amelyet az Easy Rider gyakorolt az amerikai filmkészítésre. Joggal elismerték azt a filmet, amely segített elindítani az általánosan New Hollywood-korszaknak nevezett filmet. Ezt a korszakot a stúdiók hajlandósága engedi, hogy az amerikai rendezők szerzői szerepet töltsenek be, és kreatív irányítás alatt tartsák saját filmjeiket. Társadalmi szempontból a film a változó kulturális légkör közepette élő amerikaiak nemzedékével beszélt. Felölelte a nyitott út vonzerejét, miközben megbirkózott bizonyos kulturális normák borzalmaival.
Az, hogy egy film fontos, még nem jelenti azt, hogy szükségszerűen jól öregedett volna. Technikai szempontból vannak problémák ezzel a filmmel (főleg a történet felépítésével kapcsolatosak), de a valódi probléma az Easy Rider üzenete. Ellenkulturális témái könnyen visszhangoztak egy olyan nemzedékkel, akivel ilyen ritkán beszéltek a filmek, de Wyatt és Billy kalandjai valószínűleg önzőnek és sekélynek tűnnek, ha modern megvilágításban nézzük őket. Ez a film egyszer szólt az emberekhez. Most fáradt retorikával kiabál velük.
4 Bonnie és Clyde (1967)
Hogy igazságos legyek, szép számmal voltak olyan emberek, akik nem voltak túl őrültek Bonnie és Clyde miatt a megjelenése után. Akik nem szerették a filmet, gyakran elégedetlenségük okaként az erőszakot és a szexuális tartalmat említették. Az amerikai filmtörténelemben ez volt az egyik legnagyobb kiadvány, amely valóban szenzációba hozta az erőszakot azzal, hogy nem riad vissza a teljes bemutatásától. Squibeket meglehetősen bőségesen alkalmaztak lövéshatásokhoz. A főszereplői közötti erősen szexuális kapcsolat eljátszásában sem volt semmi kétség. Végül azonban a filmet történelmi jelentőségű kiadásként ismerik el, amely megváltoztatta az amerikai filmek erőszakos megjelenítését.
Azóta rengeteg film jelent meg, amelyek Bonnie és Clyde erőszakját szombat reggeli rajzfilmnek tűnik. Szinte lehetetlen, hogy bárki, aki folyamatosan nézte az elmúlt 20-30 év filmjeit, megnézhesse Bonnie-t és Clyde-ot, és sokkolva érezze magát bármitől, amit látott. Ugyanazon érzelmi reakció nélkül, amelyet a film egyszer generált, Bonnie és Clyde sokkal figyelemre méltóbbá válik a gyakran külsõ bemutatása és a hanyag mesemondás miatt. Elég szórakoztató behajtó mozdulat, de nem olyan film, amely a mai mércével mérve is kedves díjat jelentene (amikor még Oscar-díjra jelölték).
3 A tornyosuló pokol (1974)
Megjelenésekor a The Towering Inferno elég nagyszerű ötlet volt egy nagy mozgóképhez. A The Poseidon Adventure nyomában ez a film annyi csillagot pakolt össze, ahány stúdió megengedhetett magának egy épületben, amely kigyulladt és gyorsan szétesett. Katasztrófa film volt, mielőtt ezt a címet szükségszerűen alkalmazták volna a műfajra, és a csillagok ereje és látványa vonzotta a közönséget. Valójában a modern kasszasiker előfutára ilyen módon.
Az évek során sok olyan kasszasiker készült, amely nem öregedett meg, de a The Towering Inferno pár szempontból kiemelkedik. Először is, miközben Paul Newman és Steve McQueen mindig is kiemelkedő jelentőségűek, a film sztárhatalma nem lépi túl a generációkat, hacsak nem mindig szerette volna Fred Astaire-t és OJ Simpsont látni ugyanabban a filmben. Repülőgép! Ennek az egész alfajnak a szakértői boncolgatása sem tett jót ennek a filmnek a drámai pillanataiban. Csak annyi „Ha nem látlak többé” utolsó csókot és „Vigyázz magadra, nő!” pillanatokkal azelőtt, hogy rájössz, hogy ez bizony egy másik korszak terméke volt.
2 kacsaleves (1933)
Gondolhatja, hogy a 20-as és 30-as évek filmjei egyszerűen válogathatók. Hány dolog öregszik jól közel 100 év után? Ebből az időszakból valóban van jó néhány film, amely ma is releváns. Charlie Chaplin művei például humorukkal és meglepő érzelmi mélységükkel nevezetesek. Ugyanez nem mondható el könnyen a Marx testvérekről. A Harpo, Groucho, Gummo és Zeppo Marx egy komikus csoport volt, amely valaha a korai mozi pirítósa volt. Noha sok népszerű filmjük volt, kevesen váltak olyan jelentősvé, mint az 1933-as Kacsaleves.
A Kacsaleves nézése most nagyjából megegyezik azzal, hogy egy stand-up komikus viccet vet a közönségre. Lehet, hogy egy pár leszáll, de ez inkább puszta hangerő, mint finom humor kérdése. Ez a stílus minden bizonnyal önmagában kelt, és a kacsaleves nem segít a saját ügyén azzal, hogy a politikai humorra összpontosít. A film számos hivatkozása nemcsak az átlagos modern néző feje fölött repül, hanem azt is jelenti, hogy a legjobb viccek is találkoznak, mint azok a régi politikai rajzfilmek, ahol a vicc egyértelműen fel van tüntetve, hogy elkerüljék az esetleges zavarokat.
1 Elfújta a szél (1939)
A Gone With The Wind annyira szinonimája a klasszikus filmeknek, hogy megközelíti a mém állapotát. Például, ha jó hot dogot eszel, akkor azt mondhatod: „Ez volt a hot dogok szélének elfogyasztása”. (Nos, lehet.) Filmeposz a szó valódi értelmében. Több bonyolult helyszínen átívelő és dicsőséges színben bemutatott film sokkoló 3,85 millió dollárért (ma körülbelül 66 millió dollár) készült, és ennek a költségvetésnek szinte minden dollárja megjelenik a képernyőn. Olyan gyártási normát állított fel, amely az elkövetkező évek során sem lenne egyenlő.
Ez sok szempontból is eléggé elavult. Filmkészítés szempontjából a kihúzott jelenetek és a túl drámai teljesítmény már nem annyira emészthető, mint egykor. Önnek is számos sajnálatos pillanata van a visszafele politikai üzenetekkel. A Gone With The Wind rabszolgaságot és általában az „Öreg délt” ábrázolja fájdalmasan romantikusan. Itt van az a jelenet is, amikor Rhett kényszeríti magát Scarlettre, hogy itt megadja: „mi érkezik hozzá.” Valamikor ez filmes romantikaként telt el, de ma már inkább nemi erőszaknak hívják. Rhett magyarázata, hogy cselekedetei indokoltak voltak, mert túl sokat ivott, természetesen nem enyhíti a problémát.
---
Milyen filmes klasszikusokat érez még rosszul? Tudassa velünk a megjegyzéseket.